《海王》迪士尼化，到底好不好？
作者：張琦
溫子仁，一個惹同行羨慕嫉妒的好萊塢華裔導演。不論是拍攝盡顯看家本領的低成本恐怖片，還是接手好萊塢大公司上億美金的A級製作，他都遊刃有餘自由切換。更關鍵的，是人家從來不讓投資方賠錢，並且不砸自己的招牌。
就算初次執導大片《速度與激情7》時就遇到了男主角保羅·沃克意外去世、停拍、復拍及成本超支等一堆令人頭疼的難題，但大動“手術”后的《速7》依然創造了系列最高票房和好口碑。
頂著壓力完成《速7》之後，溫子仁趕緊拍了小成本的《招魂2》來緩緩神，本以為他短期內不會再碰大製作，沒想到他又火速加盟DC陣營，執導起職業生涯中的第一部超級英雄漫改電影《海王》。
儘管項目一開始又遭遇了點曲折，暗黑風格的《蝙蝠俠大戰超人》票房失敗后《海王》的劇本被臨時重寫，但耗時三年的《海王》最終趕在了2018年年尾與觀眾見面。
作為今年DC電影宇宙的“獨苗”，影片於上周五提前北美兩周率先在內地開畫，不出意外，票房口碑再度飆紅（首周末3天破6億、豆瓣目前8.2）。
這不僅是溫子仁的又一次成功，更一掃去年《正義聯盟》的頹勢。如果北美上映后也能如此強勁，那麼《海王》就可接棒《神奇女俠》，繼續為DCEU接下來的單人獨立電影鋪路打氣了。
不過對於我個人來說，《海王》那超級豪華視效打造的壯麗海底世界與性感魅力的男女主演縱然是餵飽眼球的一道大餐，結合神話與幻想的《星球大戰》或《阿凡達》式的世界觀展現也將超級英雄單人電影的格局提升一個台階，但出於對溫子仁這位有著獨特個人風格導演的喜愛與期待，製作精良的《海王》總體上還是顯得過於標準化和標籤化了。
用另外一個詞，可以說是它太“乖巧”了，以至於看完後會有點發懵——沖著DC與溫子仁而來，為什麼看到了一部迪士尼？
這並非對迪士尼電影有貶低之意，也非對如今DC電影越發漫威化感到遺憾，只是比心裡的預期偏離地再遠了那麼一點。從故事上看，超級英雄電影里原本就趨於雷同的一些設定在《海王》身上體現地更明顯，一個自由瀟洒的流浪英雄VS一個狡黠暴戾的同族兄弟、現實世界與“夢幻國度”的鮮明反差、被迫捲入的權力爭奪/王位繼承。
經典神話敘事固然不假，但看得實在太多，單是漫威的《黑豹》《雷神》就已在重複講述，更何況還有自家的《神奇女俠》。
人物上看，由於海王和湄拉兩位主角已經在去年的《正義聯盟》里出現，所以影片在人物出場以及人物形象展現上推進地十分之快。海王亞瑟的放蕩不羈、湄拉的果敢強大、奧姆的邪惡怨氣，他們自始至終基本沒有人物內在的曲線發展，只見事件和矛盾一個個拋出，主角們便在這些外力鋪成的軌道上一步步“安全”地行進。
如果感覺泛泛而談，可以將他們的形象/性格與漫畫或動畫里的原設定做一下簡單對比，看看電影版《海王》如何大幅簡化了海王及其他幾位主角的形象維度。
DC漫畫歷史悠久，所以幾十年來眾多角色早已發展出無數條故事線和錯綜複雜的關係，因此每到一個節點就會出現我們常說的重啟或清零。DC最近的一次重啟是2011年起以“閃點”事件為標誌的的“新52”計劃，所以我們就以新52系列中的《正義聯盟：亞特蘭蒂斯王座》為例。
漫畫中，海王在面對亞特蘭蒂斯製造海嘯災難、正義聯盟成員準備反攻時最突出的一點在於他自身的矛盾性，一方面他不想與自己的同族特別是弟弟奧姆為敵，另一方面又不想與聯盟相分歧。
電影中還隱去了一段漫畫前史——亞瑟其實已經做過亞特蘭蒂斯王，並且是弟弟奧姆讓位給他的，但後來有人說他血統不純從而被流放，最終正義聯盟接納了他。
所以當其他正義聯盟成員堅持要與亞特蘭蒂斯王奧姆一戰的時候，他身處中間兩邊斡旋，甚至一度與蝙蝠俠、神奇女俠發生衝突，因為他想保護的是兩個世界，不願傷及任何一方。
而電影中，海王亞瑟與奧姆之間捨去了漫畫中對兄弟兩人間既有親情牽連又愛恨交錯（奧姆認為哥哥被地球人同化、背叛亞特蘭斯蒂）的關係刻畫，簡化為主打暴力衝突的二元對立，反觀《雷神》里的索爾與洛基的關係，倒是對二元對立更討巧的一種運用。
另外，關於電影開篇人類的核潛艇向亞特蘭蒂斯發射導彈的戰爭導火索在漫畫中其實是由維科暗中操作的，也就是威廉·達福飾演的那位謀臣，他也是亞瑟從小的導師（漫畫中維科視亞瑟如兒子）。
因為他試圖讓亞瑟重回亞特蘭蒂斯繼承王座，所以才挑起海洋與陸地的戰爭。電影版選用威廉·達福出演這一角色，原本以為會延續維科的多面性，但終究還是一個單一侍者形象。
舉例以上漫畫設定並不是說電影改編一定要遵循於此，而是說明自扎克·施耐德主導的《蝙蝠俠大戰超人》《正義聯盟》接連失利之後，華納DC對於旗下電影風格調整的欲求是迫切的。
這種迫切首先就是要更多更廣的受眾，所以削平角色維度、提供更簡單暢快的類型片觀影體驗就是一個必要前提，再加上海王是一個在認知度上遠不及超人、蝙蝠俠、神奇女俠的第二梯隊角色，更為溫子仁進行相對自由的改編提供了條件。
若套路化臉譜化的故事和角色是一種創作上的讓步，那麼在“硬體”方面，溫子仁則最大限度地保證了影像上的奇觀。以個人偏愛的動作場面為例，恐怖片導演出身的溫子仁在處理打鬥戲上挺有自己的一套風格，最大的特色便是強調代入與參與。
《速7》中兩大肌肉男巨石強森與傑森·斯坦森那場一對一近身格鬥就是一典型。攝影機近距離跟隨角色的運動，傑森被打翻在地時鏡頭跟著他一起翻轉，常規的動作便被拍出了身臨其境的現場感。
這當然是來自於他拍攝恐怖片的經歷，畢竟，恐怖片如果不將觀眾帶入其間，驚悚效果談何而來。
《海王》繼續實踐了他的動作片拍攝理念，開篇不久妮可·基德曼的那場長鏡頭打鬥極富動感，西西里島的追逐戲同樣如此，攝影機跟隨奔跑的裝甲戰士橫穿一面面牆，大銀幕所帶來的主觀氛圍尤為強烈。
超級英雄漫畫角色誕生之初往往都有著緊密的社會現實背景，像超人與三十年代經濟蕭條、美國移民社會特質、二戰爆發；六十年代科技的高速發展、核恐懼及人權運動等複雜現實催生了神奇四俠、黑豹、X戰警等；
七十年代水門事件、越戰後的價值瓦解、城市高犯罪率及八十年代的社會焦慮讓艾倫·摩爾的《守望者》、弗蘭克·米勒的《蝙蝠俠黑暗騎士歸來》等反英雄大受歡迎。
9·11之後的恐襲創傷更讓超級英雄熱從漫畫、電視成功轉移至電影，《蜘蛛俠》《蝙蝠俠》最為風光。
此後漫威的半路殺出幾乎一統超級英雄電影格局，離開諾蘭之後的DC電影也一度迷失在他的“暗黑”後遺症中，跌跌撞撞幾年之後才憑《神奇女俠》扳回一城，只得承認，（當下）超級英雄可不必那麼沉重，單純好看也可以。
溫子仁的這部《海王》當然也不需要負載什麼深刻（提及了海洋環保），他盡情地將自己所愛的類型元素裝入其中，打造出適合全年齡段觀看的合家歡電影，並願意保持和相信某種“純真神話”的存在，縱然有些遺憾，但也沒什麼不好。
